中国艺术在线

赓续笔墨文脉焕新东方美学

Wed, 15 Jul 2026 10:10:31 +0800

笔墨，是中国艺术的核心根基，是东方审美精神的具象载体。千百年来，书画笔墨跨越时代更迭，承载着中国人的人文情怀、审美哲思与文化底蕴，形成了独一无二的艺术语言。在多元文化交融、艺术形式革新的当下，传统笔墨艺术并未沉寂，而是在坚守文化本源的基础上兼容创新，在古今对话、中西互通中焕发全新生命力，成为当代中国艺术传承发展的核心脉络。

笔墨之道，根植传统，贵在守正。中国传统笔墨从不是单纯的技法形式，而是“以笔载道、以墨传情”的精神表达。古人运笔，讲求轻重缓急、提按顿挫，线条藏筋骨、含气韵；施墨追求浓淡干湿、虚实相生，层次蕴意境、见格局。从晋代书法的飘逸温润，到唐宋绘画的雄浑灵动，再到明清文人画的清雅淡泊，历代艺术家以笔墨为媒介，将自然山川之美、人生心境之思融入创作，构建起“天人合一”的东方美学体系。这种沉淀千年的笔墨精神，是中国艺术的灵魂内核，也是当代艺术创作不可背离的文化根基。脱离传统笔墨底蕴的创作，终将流于形式、失其本真。

传承笔墨，重在深耕文脉、赓续精髓。当下艺术生态蓬勃发展，传统笔墨艺术的传承不再局限于师徒相授、临摹仿古，而是融入系统美育、学术研究与大众传播之中。各大艺术院校深耕笔墨教学，夯实学生传统功底，梳理笔墨技法与美学理论体系，纠正重形式、轻底蕴的创作误区；众多艺术研究者深耕历代名家作品，解读屋漏痕、锥画沙等笔墨真谛，挖掘传统笔墨背后的文化内涵，让古老的艺术语言有迹可循、有脉可传。无数艺术从业者潜心研习古艺，在临摹中体悟古法，在积淀中锤炼功底，让正统笔墨文脉代代延续。

守正之余，融新是笔墨艺术生生不息的关键。艺术的生命力在于与时俱进，传统笔墨绝非固步自封的复古范式，而是可兼容时代、包容多元的活态文化。新时代语境下，当代艺术家打破传统创作的边界桎梏，在坚守笔墨气韵、东方意境的前提下大胆创新。在题材上，跳出传统山水、花鸟、人物的固有框架，聚焦时代风貌、市井生活、山河新景，让笔墨描摹时代变迁、记录时代精神；在形式上，适度融合现代构图理念、光影层次，兼顾传统写意与当代审美，打破古今艺术的审美隔阂；在传播上，依托新媒体平台，以展览直播、艺术科普、数字水墨等形式，让雅致深邃的笔墨艺术走出殿堂、走入大众。

笔墨革新，始终恪守“古法为骨、新意血肉”的准则。所有创新都以传统底蕴为根基，摒弃片面追求新奇、弱化笔墨精神的浮躁创作，拒绝舍本逐末的形式革新。优秀的当代笔墨作品，既有古法笔墨的厚重气韵，又有新时代的鲜活气象，实现了传统美学与当代价值的完美契合，让千年笔墨艺术适配当代审美、回应时代需求。

纵观中国艺术发展脉络，笔墨的传承与创新，本质上是中华美学精神的赓续与升华。传统给予艺术深度，时代赋予艺术活力。在文化自信愈发彰显的今天，笔墨艺术作为中华优秀传统文化的重要载体，肩负着文脉传承、文化传播的重要使命。当代艺术从业者当坚守初心，深耕古法、大胆革新，以笔墨为桥，连通古今、融汇中外，让千年东方笔墨之美在新时代熠熠生辉，推动中国传统艺术在守正融新中走向更远未来。（作者：孙艺晗）

银胎流光映匠心——“大匠之道——熊松涛掐丝珐琅艺术展”亮相中国美术馆

Tue, 14 Jul 2026 11:23:37 +0800

2026年7月2日，由中国美术馆主办的“大匠之道——熊松涛掐丝珐琅艺术展”正式与观众见面。作为“中国美术馆工艺美术学术邀请系列展”的重要组成部分，本次展览集中呈现了第八届中国工艺美术大师、非遗景泰蓝制作技艺代表性传承人熊松涛先生从业30载的代表性作品20余件，全面展示其在银胎珐琅领域的深入探索与卓越成就。

熊松涛，1976年4月生于北京。作为“熊氏珐琅”第三代传人，他自幼受到家族技艺的熏染与浸润。其家族手艺可追溯至清末宫廷造办处，祖父曾为宫廷匠人，父亲于1969年创办工坊，两代人在炉火与铜胎之间坚守半生。1995年，熊松涛正式跟随父辈学习景泰蓝制作工艺，从此踏上了这条充满挑战的匠心之路。

中国工艺美术大师熊松涛

在继承传统铜胎掐丝珐琅精髓的基础上，熊松涛大胆创新，成功研发了银胎掐丝珐琅工艺。相较于传统铜胎，银胎在烧制后能够显著提升珐琅的光洁度与反光度，使作品呈现出更加流光溢彩的视觉效果。在设计理念上，他不断融入多元艺术风格，赋予作品崭新的视觉表达，使其既有传统工艺典雅精致的美感，又洋溢着鲜明的时代气息。其掐丝珐琅表盘工艺更填补了国内珐琅腕表领域的空白。

熊松涛代表作品掐丝珐琅表盘

走进中国美术馆一层10号展厅，观众可以近距离感受银胎珐琅流光溢彩的极致美感。在掐丝的筋骨、点蓝的魂魄、烈火的精魄与磨镀的精神之间，一窥铜火淬炼间的造物之奇。本次展出的作品涵盖不同时期的代表作，包括银胎掐丝珐琅《千里江山对罐》（2025年）、《水墨云龙聚财缸》（2020年）、《彩韵万象花边盘》（2019年）、《蝶恋花捧盒》（2017年）、《福禄大吉瓶》（2018年）及《万花锦龙纹瓶》（2023年）等。这些作品既展现了熊松涛在材料与工艺上的突破，也折射出他对中华传统美学的深刻理解与当代表达。

熊松涛代表作品千里江山对罐

展览将持续至2026年7月29日，在中国美术馆一层10号展厅展出（周一闭馆）。欢迎广大观众前往参观，在流光溢彩的银胎珐琅世界中，感受大国工匠的坚守与创新。

智赋职场，技提效能宝安工会公益课堂助力职工数字转型

Tue, 14 Jul 2026 09:57:42 +0800

为助力职工适配数字化办公新趋势，提升职工数字素养与岗位竞争力，7月11日，由深圳市宝安区总工会主办、宝安区工人（职工）服务中心承办的2026年“宝工乐学”公益培训《AI高效办公实战》课程，以实战教学模式，为50名职工送上数字化技能提升“干货课堂”。

本次培训聚焦职场数字化转型实际需求，摒弃理论化、空泛化授课模式，打造“大模型实操+智能体自动化”一体化实战教学体系，贴合基层职工办公高频场景。课程特邀专业人工智能训练师授课，总时长3.5小时，采用零基础适配教学方式，兼顾不同知识基础、岗位类型的参训职工，让数字化办公技能可学、可练、可用。

课程设置阶梯式、系统化两大教学模块，层层递进帮助职工搭建完整的AI办公技能体系。在AI大模型实操教学环节，讲师系统讲解主流人工智能大模型的基础应用、合规使用规范与数据安全准则，重点拆解专业提示词撰写技巧。结合职场真实工作案例，现场指导学员实操演练，熟练运用AI工具完成文稿撰写、会议纪要整理、PPT设计优化、多格式文档批量处理等常规工作，明确智能工具办公应用边界，引导职工树立安全、规范、高效的数字化办公理念。

针对传统AI办公交互单一、无法自主完成流程化作业的短板，课程增设AI办公智能体专项实训内容。讲师详细拆解专业办公智能工具的操作逻辑与配置方法，讲解自动化任务指令设计技巧。通过现场实操，手把手教学职工完成表格规整、智能图表生成、业务数据可视化分析等批量、重复性办公工作，实现单指令完成整套办公流程，有效解放职工双手，减少机械性、重复性劳动，让办公工作提质增效。

培训现场学习氛围浓厚，参训职工全程同步实操、相互交流探讨、分享应用技巧。“不用复杂的专业技术，学完就能直接用，完美解决了日常整理报表、撰写材料耗时费力的难题。”参训职工纷纷表示，本次公益课程精准贴合职场刚需，内容实用、落地性强，有效帮助大家减负增效，收获满满。

宝安区总工会相关负责人表示，数字素养是新时代职工的核心职业技能。下一步，宝安区“宝工乐学”公益培训将持续聚焦职工职业成长与岗位发展需求，紧扣数字经济发展趋势，推出更多多元化、实操性强的公益技能培训课程，持续搭建职工技能提升优质平台，帮助广大职工在数字化转型浪潮中锤炼新技能、提升新能力，以职工技能升级助力区域产业高质量发展。

弘作珠饰文化“方圆一寸承载万象文脉”

Thu, 09 Jul 2026 22:36:01 +0800

弘作·陈瑞峰

方圆一寸间，万物皆可盘；

十年征程路，一万零一品。

2025年，新元启序，珠饰3.0

——弘作珠饰“十年一万零一品”研发计划研究

中华文化艺术复兴与全球文明互鉴视域下东方配饰的创新转化实践

摘要：

在中华民族现代文明建设稳步推进、全球文明交流互鉴不断深化的时代背景下，我国珠宝配饰产业已经告别原材料比拼的1.0阶段、纹样仿古复刻的2.0阶段，全面迈入文化原创驱动的3.0新时代。弘作珠饰立足行业转型节点，正式确立“十年征程路，方圆一寸间”的中长期研发纲领，以37.2℃人体肌肤温度作为手作创作的人文标尺，构建起“文化是主线，美学是手法，佩戴是形式，服务是宗旨”的四维设计体系，锚定“深挖历史文化长河，引领当代时尚潮流，聚焦方圆一寸之间，一万零一品”的十年发展目标，搭建起七大文化产品谱系。

本文将弘作珠饰十年研发工程置于东西方艺术发展史、中华文脉复兴、文创产业国际化三重宏大视域下展开系统性研究。文章首先梳理全球随身配饰艺术并行演进的历史脉络，对比东西方首饰美学的共性与分歧，论证“方圆一寸”微型随身器物作为跨文化传播载体的独特优势；其次完整解构弘作珠饰顶层战略框架，深入阐释“文字图形化”这一核心视觉转译方法，破解中华文明符号跨越语言壁垒的转化难题；随后分层剖析七大产品线的文史根基、设计逻辑与中西审美融合路径，把中华五千年文字、图腾、哲学意象转化为适配国内新国潮市场与国际时尚产业的现代视觉语言；再次制定“一万零一品”分阶段研发规划、文史审核机制、工艺标准、知识产权保护与跨文化传播方案；最后直面国风珠宝普遍存在的文化表达浅层化、海外传播遭遇文化折扣、行业同质化内卷、仿古造型与现代穿搭脱节等现实问题，提出坚守文化主体性、运用现代国际设计语言讲述东方精神故事、实现民族文化全球化表达的落地对策。

研究表明，方寸小件珠饰可以承载宏大的文明叙事。弘作“一万零一品”十年工程，把绵延五千年的中华文明浓缩在一寸随身器物之上，对内夯实国民文化自信，对外打造可随身携带的东方美学名片，为新国潮珠宝扎根本土文脉、实现长效原创、稳步走向国际市场，构建起完整的理论体系与可落地的产业实践范式。

中华文化复兴；文明互鉴；新国潮配饰；符号转译；文字图形化；儒释道美学；文玩珠宝跨界；东西方设计融合。

一、全球配饰艺术演进与产业迭代：行业迈入文化原创3.0时代

（一）东西方随身配饰双轨发展：器物艺术见证人类文明进程

（二）近代中华佩饰文脉断裂与当代文化自信回归

（三）时代双重使命：文明赓续传承与跨文化平等对话

（四）珠宝配饰产业三次迭代：材质竞争—纹样复刻—文化原创

（五）37.2℃人文温度：对抗工业化量产的手作初心

（六）“方圆一寸”：微型小件成为文明传播的最优载体

二、弘作珠饰十年计划顶层战略体系建构

（一）总纲领解读：十年征程路，方圆一寸间；方圆一寸间，万物皆可盘

（二）四维设计理念：主线、手法、形式、宗旨的闭环逻辑

（三）目标定位拆解：文脉深耕、时尚引领、载体聚焦、万品布局

（四）核心创作方法论：文字图形化——中华文明符号的现代视觉重构

（五）双市场布局：立足本土文化自信，面向全球文明对话

三、东西方首饰美学比较：搭建七大产品线的跨文化融合框架

（一）西方首饰艺术脉络：理性几何、宗教装饰、现代极简主义

（二）中华配饰美学源流：史前图腾—青铜礼器—文人雅玩—当代新中式

（三）东西方审美核心分野：写实再现与写意意境；装饰功能与器物载道

（四）两大美学的交汇点：东方留白与西方极简设计高度契合

（五）跨文化转化三大准则

（六）七大产品谱系的文明分工

四、七大产品谱系系统性研发设计

（一）谱系一：中华通史历史文化产品——五千年文明符号与文字图形化实践

（二）谱系二：女性文化时尚产品——东方女性审美通史对接全球女性潮流

（三）谱系三：儒家文化经典系列——大儒书画笔墨对话西方线条艺术

（四）谱系四：佛教智慧开悟系列——禅宗意象去宗教化，转化为普世心灵美学

（五）谱系五：道家神秘探索系列——河洛数理、太极星象升级为宇宙天文美学

（六）谱系六：金银宝玉石镶嵌系列：实现“文玩珠宝化、珠宝文玩化”双向跨界

（七）谱系七：美学原理器物之美——素面器物对接当代抽象极简潮流

五、“一万零一品”十年落地执行体系

（一）总量规划：一万款原创作品+一件典藏孤品

（二）十年四阶段研发进度安排

（三）“方圆一寸”载体硬性标准与佩戴规范

（四）文史考据+设计创作双审核制度

（五）纹样素材库建设与知识产权保护

（六）年度历史专题研发机制，规避同质化与创意枯竭

六、国际化传播策略与现实困境优化方案

（一）坚守文化主体性，破解跨文化“文化折扣”

（二）国内外双版本分轨研发，平衡古韵与现代审美

（三）行业痛点与系统性优化对策

七、结论与文明价值展望

当今世界处于百年未有之大变局，文明交流互鉴已经成为全球化时代的核心文化议题。伴随着中国式现代化不断向前推进，推动中华优秀传统文化创造性转化、创新性发展，建设中华民族现代文明，已经上升为国家文化发展战略，文创珠宝产业迎来前所未有的发展机遇。长期以来，国内珠宝行业长期依附西方奢侈品审美体系，发展路径呈现明显的阶段性短板：产业初级阶段，行业只比拼黄金、玉石原材料价值，重材质、轻文化；国潮兴起之后，大量国风品牌停留在直接复刻龙凤、祥云、饕餮等传统纹样的浅层仿古阶段，文化挖掘流于表面，既无法塑造真正的民族文化自信，也难以在全球时尚产业中形成平等的东方艺术话语权。

新世代年轻群体成为消费主力之后，文创产业正式进入3.0文化原创阶段。消费者不再只为贵金属与宝玉石的保值属性买单，更加看重器物背后完整的历史文脉、哲学精神与现代审美表达。与此同时，手串配珠、戒面、小型手牌等小件随身配饰成为全球配饰消费主流，直径一寸之内的器物体量小巧、符号高度浓缩、便于跨境流通，天然成为承载文明叙事的微型载体。“方圆一寸间，万物皆可盘”，精准把握了当代文创载体轻量化、便携化的产业趋势。

弘作珠饰“十年计划”正是诞生于这一历史节点。品牌以“十年征程路，方圆一寸间”为总纲领，确立37.2℃手作人文温度，拒绝冰冷的工业化批量生产；确立“文化是主线，美学是手法，佩戴是形式，服务是宗旨”四维准则，设定十年打造“一万零一品”原创作品的宏大目标，搭建起通史文脉、女性时尚、儒家书画、禅宗禅意、道家宇宙、多材质镶嵌、极简器物美学七大完整产品线。

本研究跳出单一款式设计的微观技术层面，把弘作十年万品工程放置在东西方艺术发展史、中华文化伟大复兴、全球文明交流互鉴三重宏大视域之下，将方寸珠饰提升为东西方文明平等对话的艺术媒介，系统研究中华文明符号如何完成现代图形转译、如何跨越东西方审美壁垒，真正做到守住民族根脉，同时打造被全世界理解与欣赏的当代东方配饰艺术。

0.1 研究对象与边界

研究主体：弘作珠饰完整十年战略规划，包含品牌定位、四维设计理念、目标定位、七大产品谱

“文字图形化”创作方法、一万零一品研发总量、方圆一寸载体约束。

横向边界：东西方首饰艺术史、现代设计美学、跨文化文创传播理论；

纵向边界：从上古史前文明直到明清文人艺术的中华完整文脉，以及该文脉在国内市场与全球市场的创新转化路径。

落脚点：把五千年文明浓缩在一寸小件配饰之上，完成传统文化现代化、民族文化国际化双重转化。

0.2 核心理论工具

第一，文化主体性理论：坚守中华文明内核，做到古为今用、守正创新，杜绝元素堆砌与全盘西化。

第二，视觉符号转译理论：将文字、纹饰、哲学意象拆解重构，完成“文字图形化”改造，剥离语言文字壁垒，把文史素材转化为现代平面图形。

第三，跨文化传播理论：破解国际市场“文化折扣”，把小众民俗符号升级为普世视觉美学，降低海外受众理解门槛。

第四，东西方比较美学理论：对比东方天人合一意境美学与西方理性构成美学，找到二者融合的平衡点，兼顾中式写意与国际极简潮流。

0.3 研究意义

（1）理论意义

其一，构建“通史文脉+儒释道哲学+女性审美+现代极简美学”四维合一的东方配饰设计体系，完善传统文化符号“文字图形化”现代转译的学术范式，填补国风珠宝原创设计的理论空白。

其二，建立一套东方传统艺术对接西方现代设计、跨越跨文化审美壁垒的实操方法，为中式珠宝国际化传播提供学术支撑。

其三，把微型随身器物纳入文明对外传播研究范畴，拓展中华文化出海的载体研究，论证小件文创承载宏大文明叙事的可行性。

（2）实践意义

第一，为弘作珠饰落地一万零一品研发计划提供顶层设计、分阶段执行方案、中西融合设计规范，避免创意零散、纹样重复、仿古气息过重等问题。

第二，为国内新国潮珠宝品牌跳出低价内卷、摆脱简单仿古复制提供长效产品布局方案，推动行业从浅层纹样复刻走向深度文脉深耕。

第三，探索“扎根中华文明、使用国际设计语言、面向全球市场”的文创出海路径，让方寸珠饰成为东方美学参与世界文明对话的窗口，助力中华文化艺术复兴落地为产业成果。

一、全球配饰艺术演进与产业迭代：行业迈入文化原创3.0时代

（一）东西方随身配饰双轨发展：器物艺术见证人类文明进程

首饰配饰是人类最早诞生的艺术造物，几乎与早期人类文明同步起源，形成东西方两条并行演化的艺术脉络。

西方文明首饰发展脉络清晰连贯：旧石器时代，欧洲原始部落以兽牙、贝壳打磨图腾挂饰；古希腊罗马时期，确立黄金分割、对称均衡的数理几何美学，奠定西方理性装饰艺术根基；中世纪，首饰成为基督教符号载体，十字架、宗教植物纹样占据主流；文艺复兴回归人文主义，金银首饰走向写实繁复；工业革命之后，机械化生产推动装饰简化；20世纪包豪斯现代主义浪潮提出“少即是多”，摒弃冗余雕花，几何块面、直线造型成为主流，最终形成“理性秩序—写实装饰—功能极简”完整的艺术链条。

中华文明配饰艺术绵延五千年未曾中断：从红山文化玉饰、仰韶彩陶的史前图腾，到夏商周青铜礼器饕餮纹、云雷纹，再到秦汉瓦当文字、唐宋瓷器纹饰、明清文人篆刻与竹木雅玩，形成一条连续不断的文脉。中华佩饰始终兼具体表装饰与精神寄托双重属性：玉器承载“君子比德于玉”的儒家思想，禅珠承载修行追求，道家佩饰寄托天人宇宙观念，形成独有的“器物载道”美学传统。不同于西方偏重写实再现，东方艺术始终追求气韵意境，讲究留白、写意、天人合一。

数千年来，东西方首饰各自独立发展，又不断产生文化交汇。20世纪现代设计席卷全球，东西方艺术深度对话：西方极简主义设计理念，与中国宋式器物、明代素玉、禅宗留白美学高度契合，为当代新中式配饰走向世界埋下审美伏笔。

（二）近代中华佩饰文脉断裂与当代文化自信回归

近代百年西学东渐，本土手工艺文脉出现明显断层。传统手工作坊逐步被西式珠宝工业化生产模式取代，黄金首饰全盘照搬欧美款式，传统纹饰被简化为龙凤、花鸟、祥云等零散吉祥图案的堆砌。很长一段时间里，中式珠宝只剩下民俗外壳，丢失了贯穿五千年的文明主线与哲学内核。

进入 21世纪，随着综合国力稳步提升，民族文化自信逐步回归，文化复兴从宏观口号落地为产业实践。国潮浪潮先后经历两轮浅层发展：第一轮，把传统吉祥图案直接雕刻在金银玉石表面，属于外形复刻，也就是行业2.0阶段；第二轮，部分品牌开始挖掘青铜器、古玉器纹样，但依旧停留在仿古复刻层面，没有完成现代化视觉改造，款式老旧，只能局限在国内文玩小众圈层，无法融入现代日常穿搭，更难以走向国际时尚市场。整个行业长期缺少系统化解决方案：如何梳理完整文脉，如何把文字、古纹、哲学意象转化为现代图形，如何兼顾本土叙事与全球审美。弘作珠饰十年计划，正是为破解这一行业普遍性难题而诞生。

（三）时代双重使命：文明赓续传承与跨文化平等对话

在建设中华民族现代文明的时代命题下，文创产业肩负双重历史使命：对内赓续中华文脉，完成传统文化创造性转化；对外以平等文明主体的姿态参与全球文明对话，向世界传递东方美学智慧。大型雕塑、书画、古建筑体量庞大，跨境传播成本高、受众面窄；而随身佩戴的小件珠饰，单价适中、体积小巧、文化符号高度浓缩，是天然的“流动文化名片”。一枚一寸戒面、一颗配珠，可以把上古图腾、儒释道思想、汉字文脉压缩在方寸之间，让普通人随身携带一部微型文明史。这种微型器物，能够跨越国界、语言、风俗，成为东方文化走向世界最轻便的传播载体。弘作提出“方圆一寸间，万物皆可盘”，精准抓住了当代文化传播的载体趋势：宏大文明不需要宏大器物，一寸方寸，足以承载万象文脉。

（四）珠宝配饰产业三次迭代：材质竞争—纹样复刻—文化原创

1.0材质竞争时代

产业核心比拼原材料价值：黄金克重、玉石品级。款式高度同质化，几乎没有原创设计，文化内容趋近于零。消费者只看重保值属性，器物只有商品属性，没有艺术与文化属性，是工业化初级阶段珠宝行业的普遍形态。

2.0纹样复刻时代

国潮初步兴起，设计师直接照搬古器物外表，复制饕餮、缠枝、龙凤等传统图案。创作逻辑是“取其形”，只复刻外观，不梳理符号演变历史，不做现代美学重构。产品仿古气重，适配场景狭窄，极易陷入款式抄袭、价格内卷。绝大多数国风配饰至今仍停留在这一阶段。

3.0深度文化原创时代（弘作所处时代）

创作逻辑彻底升级：不再简单挪用图案，而是沿着完整历史脉络梳理符号源流，先做文史考证，再做线条拆分、抽象变形、尺寸压缩，最终把厚重文明浓缩在一寸小件之上。同时做到三重统一：历史文脉严谨性、现代视觉时尚性、日常佩戴实用性。

本阶段的核心技术就是弘作明确提出的文字图形化：汉字起源于象形图画，甲骨文、金文、篆刻本身就是图形符号，剥离文字语义，提炼线条结构，实现文字与纹饰双向互通，把文明史转化为源源不断的视觉设计素材。这也是弘作区别于所有普通国风品牌的核心壁垒

（五）37.2℃人文温度：对抗工业化量产的手作初心

弘作把37.2℃确立为品牌的人文温度标尺。37.2℃是人体肌肤微热的温度，区别于冰冷无温度的机器量产工业品。这一品牌基调包含三层追求：

第一，坚守原创手绘设计，每一款纹样都经过文脉溯源，杜绝模板复制、批量盗版；

第二，重视人体工学佩戴体验，优化小件器物的弧度、厚度、边缘打磨，让方寸珠饰贴合肌肤，兼具把玩属性与穿戴美感；

第三，赋予每一件作品情感叙事，让配饰不再只是装饰品，而是承载个人精神追求、民族文化记忆的随身文房器物。

在全球工业品泛滥的当下，手作的人文温度，正是原创品牌构筑差异化竞争优势、树立独立艺术风格的根基。立足3.0文化原创时代，守住37.2℃人文初心，才能跳出工业化低价竞争，走上文化艺术创作的长线道路。

（六）“方圆一寸”：微型小件成为跨文化传播的最优载体

当代全球配饰消费呈现明显轻量化趋势：厚重挂件、大型摆件市场持续萎缩，直径1—3厘米的配珠、戒面、隔片、薄款手牌成为主流品类，也就是“方圆一寸”的载体边界。

这种体量约束看似是局限，实则倒逼创作升级：设计师必须把五千年宏大文明做极致浓缩，把繁复的古纹饰扁平化、极简化、几何化，天然契合国际极简审美。同时，小件珠饰兼顾穿搭佩戴与上手盘玩，打通“时尚饰品”与“文玩收藏”两个市场，实现一器两用，大幅拓宽国内外客群。

牢牢锁定“方圆一寸”赛道，不盲目扩张大件品类，集中十年研发力量把微型器物做到极致，才能形成细分领域的品牌护城河，让小小的珠饰，成为中华文明走向世界的微型窗口。

二、弘作珠饰十年计划顶层战略体系建构

（一）总纲领解读：十年征程路，方圆一寸间；方圆一寸间，万物皆可盘

两句对仗纲领构成整个十年项目的闭环：

前半句“十年征程路，方圆一寸间”，划定时间边界与载体边界：时间跨度整整十年，拒绝短期流量爆款投机，稳步完成一万零一品的系统性创作；载体严格锁定一寸之内的随身珠饰，聚焦细分赛道，深耕不发散。

后半句“方圆一寸间，万物皆可盘”，定义产品双重属性：方寸之间容纳万物文脉，器物既可以日常佩戴穿搭，又能够长期上手盘玩包浆，实现时尚配饰与文玩雅器合二为一。

一收一放，一限定一拓展：载体被严格收缩在一寸方寸，文化内容则拓展到中华上下五千年万事万物；时间被拉长到十年长线，成果被量化为一万零一品的完整作品库。整套纲领兼具战略定力与艺术想象力，构成弘作所有研发工作的总遵循。

（二）四维设计理念：主线、手法、形式、宗旨的闭环逻辑

四条准则层层递进，形成从文化选题到终端交付的完整创作链条，兼顾国内文化深耕与海外跨文化创作。

1.文化是主线——守住文明根脉，杜绝无本创作

所有设计必须锚定中华文明完整文脉，每一条纹样、每一个符号都要有对应的历史出处。无论是通史符号、女性审美、儒释道书画，还是禅意、星象玄学，都必须先完成文史溯源，再进入设计环节。文化是灵魂，美学只是表达工具，保证产品不会沦为空洞的网红国风装饰。在国际化创作中，内核不变，只调整外在视觉形式，做到“内核守根，形式求新”。

2.美学是手法——打通中西审美，完成现代视觉重构

传统文化素材不能直接照搬古器原貌，必须用现代平面构成、极简构图、抽象变形手法做二次创作。对内，兼顾中式写意意境；对外，对接西方理性几何美学。同样一个青铜纹样，国内版本保留更多历史细节，海外版本提炼线条、简化图形，消除民俗壁垒。美学手法灵活调整，始终服务于文化主线。

3.佩戴是形式——坚守配饰本质，拒绝做成观赏摆件

无论文化内涵多么厚重，最终成品必须落地为可全天候穿戴的小件配饰。严格控制重量、厚度、曲面结构，优先适配手串、锁骨链、细戒指、手牌等现代佩戴场景。所有浮雕、纹样都要服从人体佩戴需求，厚重礼器文化必须轻量化改造，杜绝只可陈列、无法日常使用的纯艺术品，牢牢守住珠饰产品的商业属性。

4.服务是宗旨——把产品交易升级为文化内容传播

品牌不只售卖器物，还要输出完整的文化叙事。对内，向国内消费者解读文字源流、历史典故、士人精神；对外，把东方哲学改写为普世的美学故事，多语种解读纹样意境。把卖货升级为文化科普、穿搭方案服务，大幅提升品牌溢价与用户粘性，让器物成为文化交流的媒介。

（三）目标定位拆解：文脉深耕、时尚引领、载体聚焦、万品布局

1.深挖历史文化长河：横向贯通石器时代直至明清完整文明时序，纵向覆盖文字纹饰、女性审美、儒释道哲学、器物美学，文脉连贯完整，避免选题碎片化，保证十年创作有源源不断的文明素材。

2.引领当代时尚潮流：文化挖掘不等于仿古复古，持续对传统元素做现代化改造，紧跟全球新中式极简穿搭潮流，让东方古文明符号融入现代日常时尚，跳出文玩小众圈层，走向大众时尚市场乃至国际时尚舞台。

3.聚焦方圆一寸之间：长期坚守小件珠饰赛道，研发资源高度集中，把一寸器物做到行业顶尖，形成赛道垄断优势。

4.一万零一品：量化十年终极成果。一万款标准化原创文化作品，再加一件整合七大系列全部设计语言的品牌典藏标杆之作，合称一万零一品。庞大有序的产品库，可以支撑品牌十年稳定上新，摆脱单一爆款依赖，实现长效可持续经营。

（四）核心创作方法论：文字图形化——中华文明符号的现代视觉重构

“文字图形化”是整个项目最核心的技术支点，也是打通五千年文脉、实现跨文化设计的关键抓手。

汉字起源于象形文字，甲骨文本身就是简笔图画，金文、石鼓文充满装饰线条，篆刻朱文、白文把文字彻底图案化。中华文明的文字体系，天然就是一套连续不断的视觉图形库。弘作把这套资源拆解为两步转化流程：

第一步：去语义化。剥离文字的读音、典故，只提取笔画走势、对称结构、线条转折，把汉字转化为纯粹的平面线条纹样；

第二步：图文互嵌。将文字线条与同时代彩陶漩涡纹、青铜雷纹、瓦当云纹互相嵌套，做到“文字即是纹饰，纹饰内含文字”。

经过改造，原本带有汉语门槛的文字，变成全世界都能看懂的几何线条图形。从上古刻画符号，到商周金文族徽，再到秦汉篆刻吉语，整套五千年文字体系，变成源源不断的国际化设计素材库，为一万零一品提供充足内容支撑。

（五）双市场布局：立足本土文化自信，面向全球文明对话

立足国内市场：打造具备完整文化自信的新国潮原创珠饰，填补国内文脉型国风配饰的空白，向大众输出系统的中华视觉文明。

面向世界市场：做东方极简美学的传播者，把儒释道精神、上古宇宙符号、汉字线条艺术，转化为全球通用的现代视觉语言，让方寸珠饰成为东西方文明平等对话的微型艺术品。

对内深耕文脉，对外转化形式；守住文化主体性，灵活调整审美表达，这就是弘作十年计划兼顾文化复兴与文明互鉴的顶层布局。

三、东西方首饰美学比较：搭建七大产品线的跨文化融合框架

（一）西方首饰艺术脉络：理性几何、宗教装饰、现代极简主义

西方首饰艺术始终建立在理性科学的美学基础之上。古希腊时期，毕达哥拉斯学派把数理比例引入器物装饰，首饰严格遵循对称、等分、黄金分割，追求秩序与均衡；中世纪，艺术完全服务于基督教神学，纹样以十字架、圣徒形象、植物藤蔓为主；文艺复兴回归人文主义，金银宝石首饰走向繁复写实；工业革命之后，机械化生产促使装饰简化；20世纪包豪斯运动彻底颠覆装饰美学，摒弃多余雕花，以几何块面、直线、圆形构建极简造型，奠定当代国际首饰的主流审美范式。

纵观整个西方首饰发展史，核心逻辑始终不变：以理性数理为骨架，先确定造型结构，再填充装饰元素；重外在视觉形式，弱化精神意境表达。这种审美传统，也是当代全球时尚配饰的主流标准。

（二）中华配饰美学源流：史前图腾—青铜礼器—文人雅玩—当代新中式

中华配饰美学历经数千年演变，形成四段清晰文脉：

第一阶段：上古史前文明。红山玉饰、仰韶彩陶纹样以自然图腾为主，线条质朴抽象，天然契合现代极简审美。

第二阶段：夏商周青铜时代。饕餮纹、云雷纹、金文族徽成为主流，文字与纹样融为一体，也是弘作“文字图形化”最重要的素材源头。

第三阶段：秦汉至唐宋。瓦当文字、玉璧、瓷器纹饰走向写意，线条舒展流畅，礼制器物逐步走向文人随身佩饰，“君子比德于玉”的精神内涵逐步成为配饰核心灵魂。

第四阶段：明清文人雅玩。篆刻、竹木把件、小玉牌兴起，器物追求素雅留白，摒弃繁缛雕花，形成中式素器美学。

中华配饰始终坚持“载道优先于装饰”，器物不只是体表装饰，更是人格修养、哲学思想的物质载体，追求意境、气韵、天人合一，写意留白是东方美学最核心的标识。

（三）东西方审美核心分野：写实再现与写意意境；装饰功能与器物载道

二者的核心差异可以归纳为两点：

第一，创作目标不同：西方首饰追求视觉装饰效果，侧重写实再现与数理秩序；东方佩饰追求精神意境，侧重写意留白与人文寄托。西方看重视觉效果，东方看重气韵内涵。

第二，形式逻辑不同：西方设计先定轮廓结构，再添加纹饰；东方设计先营造意境，再提炼线条纹样。西方偏爱满雕繁复，东方崇尚留白简约。

审美差异构成跨文化传播的天然壁垒：直接把满工仿古玉佩推向欧美市场，极易被视作异域猎奇工艺品，难以进入主流高端时尚领域。这就要求弘作在设计时主动做审美调和。

（四）两大美学的交汇点：东方留白与西方极简设计高度契合

东西方审美并非完全对立，二者在现代极简设计上找到了完美交汇点。

西方现代主义提出去除冗余装饰，追求简洁几何；而中国宋明器物、禅宗艺术本来就崇尚素面留白、删繁就简。宋式素玉没有多余纹饰，仅依靠器型线条塑造美感，与包豪斯极简理念不谋而合。这为弘作珠饰走向世界找到了最优路径：放弃繁复满雕，提炼东方线条与几何器型，用极简形式承载东方哲学内核，既能守住中华文化根脉，又能无缝对接全球主流审美。

（五）跨文化转化三大准则

第一，内核不变：历史文脉、儒释道哲学、天人合一的东方精神必须完整保留，绝不因为迎合海外市场删减文化内核；

第二，外壳简化：剔除封建民俗、老旧繁复的造型，剥离具象神像、旧式吉祥图案，把具象意象提炼为抽象线条、几何图形；

第三，语言统一：统一使用点、线、面现代视觉语言，减少大面积可识别汉字，把文字转化为图形纹样，打破语言隔阂。

遵循三条原则，实现“民族内核，全球表达”，避免文化猎奇或者全盘西化两个极端。

（六）七大产品谱系的文明分工

1.通史文化产品：搭建完整五千年符号素材库，作为全品牌基础纹样源头；

2.女性文化时尚产品：主攻大众时尚赛道，打开海内外女性消费市场；

3.儒家文化经典系列：构筑士人精神内核，面向商务与知识圈层；

4.佛教智慧开悟系列：主打心灵精神消费，面向全球松弛感消费群体；

5.道家神秘探索系列：挖掘宇宙天文几何，对接当代极简潮流；

6.多材质镶嵌系列：以工艺承载前五条文化谱系，打通文玩与珠宝双赛道；

7.极简器物美学系列：无门槛基础款，主攻海外大众市场。

七大谱系文脉层层递进，市场互相补充，形成完整闭环的产品体系。

四、七大产品谱系系统性研发设计

（一）谱系一：中华通史历史文化产品——五千年文明符号与文字图形化实践

本系列以文字、符号、纹饰为主线，完整串联石器、陶器、青铜器、瓷器等各个历史阶段的文明遗存，是“文字图形化”方法论的核心试验场。

首先按照历史时序建立完整素材库：史前岩画与玉石图腾、仰韶彩陶几何纹、商周甲骨文字与金文族徽、青铜云雷纹与饕餮纹、秦汉瓦当文字、历代篆刻与瓷绘纹样，形成一条连续不断的视觉文明链条。在设计中严格实现图文互构：把金文文字的线条转折，和青铜回旋雷纹相互嵌套，让文字隐入纹饰之中。经过去语义化处理，汉字变成纯粹的几何线条，不再受语言限制，完美适配海外市场。

在审美融合上，上古彩陶、青铜几何纹样与西方构成主义艺术高度同源。国内版本保留传统礼制对称构图，海外版本打散重组线条，运用现代平面构成法则重构图形。所有产品严格控制在方圆一寸体量，以配珠、戒面、小挂牌为主，浅浮雕扁平化处理，兼顾佩戴实用性与盘玩肌理。本系列作为基础款，占据十年万品总量的30%，为其余六大系列源源不断输出原创纹样。

（二）谱系二：女性文化时尚产品——东方女性审美通史对接全球女性潮流

本系列文脉起点锁定远古母系社会女神图腾，依次梳理先秦玉饰、汉代佩玉、唐代花钿金饰、宋代素雅首饰、明清头面佩饰，梳理出一条完整的东方女性审美演变史，不再局限于零散的古装纹样。

传统古代首饰大多形制厚重繁复，无法适配现代通勤穿搭。设计时完成三重轻量化改造：造型小型化、纹样线条化、结构极简轻薄化。把唐代宝相花、宋代折枝花卉提炼为单线轮廓，去掉多层雕花，转化为细锁骨链、细戒指、手串隔珠。同时升级精神内核，跳出闺阁首饰的传统定位，提炼历代东方女性内敛、独立、雅致的精神风骨，对接全球当代独立女性的审美思潮。产品分层打造通勤极简款、文艺休闲款、礼服精致款，成为品牌破圈走向大众时尚市场的主力产品线。

（三）谱系三：儒家文化经典系列——大儒书画笔墨对话西方线条艺术

本系列以历史朝代为节点，选取孔子、二程、朱熹、王阳明等历代大儒，以及王羲之、颜真卿、文徵明等文人书画家的书法笔墨、山水线条作为创作载体，以儒学思想史为脉络，保证每一件作品都有清晰的时代文化背景。

中国书法的枯笔、飞白、线条节奏，和欧美抽象表现主义绘画拥有高度一致的艺术逻辑。在跨文化创作中，剥离文字内容，只提取笔墨走势，把书法线条转化为连续浮雕纹样。海外受众不需要认识汉字，仅凭线条节奏就能感受到东方笔墨气韵，规避文字带来的文化壁垒。国内版本可以少量保留篆刻吉语，海外版本完全去除可识别文字，只保留抽象线条结构。客群聚焦知识分子、商务精英，打造君子如玉的文人配饰，构筑品牌深厚的人文底蕴。

（四）谱系四：佛教智慧开悟系列——禅宗意象去宗教化，转化为普世心灵美学

本系列沿着汉传佛教发展脉络，聚焦禅宗“因果轮回、明心见性、智慧开悟”的核心思想，跳出民间民俗佛像题材，以禅宗哲学为创作内核，提升作品立意。

国际化改造的核心策略：规避具象神像等强宗教符号，防止触碰海外宗教红线。把宗教叙事转化为自然意象：莲花、云水、山石、月影，用留白虚空表达禅意。将“轮回修行”的宗教主题，改写为“放下执念、内心松弛”的普世精神主题，契合当代年轻人缓解精神内耗的消费需求。器型以圆融素器为主，采用哑光磨砂肌理，营造宁静素雅的氛围，贴合全球流行的侘寂禅风。

（五）谱系五：道家神秘探索系列——河洛数理、太极星象升级为宇宙天文美学

本系列以河图洛书、太极八卦、日月轮回、宇宙星空为核心，深挖“天人合一、道法自然”的上古天文哲学，剥离民间风水、算命等低俗民俗内容，把创作立意提升到远古先民探索宇宙秩序的高度。

太极阴阳双鱼、八卦等分几何、周天星象纹样，本质是远古天体几何图形，与当代天文抽象设计高度契合。在国际版本中，弱化阴阳五行的民俗解读，重点突出天体运行、自然平衡的视觉秩序，把玄学意象升级为宇宙天体美学。跳出老旧平面八卦图，提炼阴阳回旋的流动线条、星点等分结构，重组为抽象连续纹样。国内款保留河洛数理叙事，海外款只保留平衡几何图形，完成传统文化意象的现代化升级。

（六）谱系六：金银宝玉石镶嵌系列：实现“文玩珠宝化、珠宝文玩化”双向跨界

当下全球产业出现双向融合趋势：高端珠宝开始重视文化叙事，不再只比拼宝石品级；国内文玩走向精致化，不再局限于素铜、原木把玩。弘作抓住产业风口，打通文玩与珠宝两大赛道。

工艺上中西合璧：把中国非遗錾刻、浅浮雕技艺，与国际珠宝包镶、槽镶工艺相结合；材质上自由组合金银贵金属、和田玉、南红与彩色宝石，既保有文玩上手盘玩的肌理，又具备高端珠宝的精致质感。同时严格恪守一条原则：所有镶嵌作品都必须搭载前五条文化谱系的文明符号，工艺永远服务于文化内核，杜绝单纯堆砌宝石而没有精神内涵。真正做到文玩拥有珠宝的精致，珠宝拥有文玩的文化底蕴。

（七）谱系七：美学原理器物之美——素面器物对接当代抽象极简潮流

本系列扎根中国古玉璧、玉琮、素面把件的器物美学，结合西方现代主义抽象构成理论，打造无纹饰的极简作品。创作核心是彻底舍弃所有具象纹饰与文字，只提炼方圆曲直的几何器型，依靠轮廓弧度、虚实留白营造气韵。

这一系列没有文字、没有宗教、没有民俗元素，不存在跨文化的文化折扣，是品牌走向海外大众市场的基础百搭款。素面玉环、方圆戒面、简洁手牌，仅凭器型美感就能打通全球市场，为其余文化系列引流，成为品牌国际化的先锋产品线。

五、“一万零一品”十年落地执行体系

（一）总量规划

十年总目标：一万款标准化原创文化产品+一件文明集大成典藏孤品，合称“一万零一品”。

一万款常规作品在七大谱系之间均衡分配：通史基础款3000款、女性时尚款2200款、儒家书画款1200款、禅意智慧款1100款、道家天文款1000款、镶嵌工艺款1000款、极简器物款500款，结构均衡有序，避免某一系列产能过剩或者素材枯竭。

第10001件典藏孤品，整合七大系列全部视觉语言，汇聚中华五千年核心文明符号，打造品牌里程碑式艺术作品。

（二）十年四阶段研发进度

第一阶段（第1—2年：筑基期）

完成五千年文史文脉梳理，搭建完整纹样图库，落地“文字图形化”设计模板；统一“方圆一寸”小件的尺寸、浮雕深度、佩戴工艺标准；完成首批2000款通史基础纹样开发；组建文史顾问团队，建立先考据、再画图的创作流程，杜绝历史符号误用。

第二阶段（第3—5年：全面铺开期）

七大产品线同步研发，累计完成6000款原创作品；搭建国内外双版本设计体系，完成中西审美两套视觉方案；完善金银玉石镶嵌工艺体系，稳定量产品质；实行年度朝代专题上新，每年围绕一个历史朝代开发新品，保证文脉连贯。

第三阶段（第6—8年：深耕迭代期）

重点打磨儒释道三大精神文化系列，迭代优化前期纹样，淘汰同质化元素；累计完成9999款常规作品；搭建多语种文化文案库，为国际化铺货做好内容储备；划分大众流通款、中端文化款、高端收藏款三级产品梯队。

第四阶段（第9—10年：收官沉淀期）

集中打磨第10001件典藏孤品；整理万品图文档案，编纂纹样图集与设计文献；完成全部原创作品的美术版权登记；把十年研发成果固化为品牌IP资产，形成长期可迭代的文创体系。

（三）“方圆一寸”载体硬性标准

严格执行体量红线：所有流通产品外轮廓尺寸控制在1—3厘米之间，厚度不超过8毫米，始终坚守小件随身配饰赛道，不开发大型摆件、厚重挂件，保证每一件作品都兼具佩戴与盘玩双重属性。

（四）双审核制度

两级审核机制：文史专家团队考证符号源流、历史时代、文化典故，保证史实严谨；艺术设计团队负责线条重构、美学改造、佩戴结构优化，保证时尚性与实用性。所有纹样必须通过文史初审+设计复审两道关卡，才能进入打样环节，从源头杜绝仿古照搬与文化硬伤。

（五）素材库建设与知识产权保护

按照历史时代、文化主题、线条类型建立分级电子素材库，商周青铜纹、秦汉瓦当纹、唐宋书画纹分开归档，防止跨时代元素随意堆砌；每一款原创纹样完成设计后立即进行美术作品版权登记，同时完成海外知识产权备案，构筑原创壁垒，防范行业抄袭。

（六）长效迭代机制

实行“年度历史专题”开发模式，依次围绕仰韶、商周、秦汉、唐宋、明清循环选题，持续挖掘小众古符号，避开市面上泛滥的龙凤、祥云纹样，长期保持原创新鲜度，走出国风配饰低价内卷。

六、国际化传播策略与现实困境优化方案

（一）坚守文化主体性，破解跨文化“文化折扣”

在跨文化创作中牢牢守住中华文明内核，只改造外在视觉形式，不动摇精神内核，绝不把东方文化简化为猎奇式民俗元素。主动降低文化门槛：减少大面积可识别汉字，把文字全部转化为图形线条；少用具象神像、民俗人物，多用云水、方圆、星象等普世意象；国内版本保留完整历史叙事，海外版本只保留视觉美学解读，内外分轨研发，兼顾文化严谨性与国际审美。

（二）国内外双版本分轨研发，平衡古韵与现代审美

分系列精准出海：海外市场优先主推无文化壁垒的三大系列：极简器物美学系列、道家天文几何系列、禅宗禅意意象系列，打开欧美大众市场；儒家、通史文字系列主攻海外华人圈层、汉学爱好者与高端收藏圈层；女性时尚系列对接全球女性穿搭潮流，打入国际配饰渠道。分层运营，避免全线产品同质化出海。

同时完成叙事语言改写，把“天人合一”转化为人与自然平衡，把禅宗开悟改写为内心和解，把河洛星象改写为远古人类探索宇宙秩序，将东方哲学转化为全人类共情的精神故事。工艺层面兼顾东方錾刻手作温度与国际珠宝品质标准，平衡艺术性与量产稳定性。

（三）行业痛点与系统性优化对策

当前项目面临几类普遍难题：文史考据流于形式、符号朝代混淆；传统纹样容易被海外贴上“异域风情”标签，难以进入主流设计语境；万品大规模开发容易出现纹样互相挪用、创意同质化；仿古过重脱离现代穿搭，过度简化又丢失中式气韵。

对应优化方案：

第一，前置文史考据环节，每一款纹样都出具考古溯源依据，杜绝随意复刻网络古图；

第二，严格执行“原图拆解—提取骨架—现代重构”三步法，绝不直接照搬古器外形，跳出仿古窠臼；

第三，分时代建立独立素材池，不同朝代纹样分开归档，杜绝元素杂乱堆砌；

第四，同一文化内核设计两套版本：国内版保留历史细节，海外版提纯线条、简化构图，平衡古韵与现代潮流；

第五，分级管控工艺：高端典藏款坚持纯手作，大众流通款采用精雕+手工修边，平衡成本与手作温度。

七、结论与文明价值展望

弘作珠饰“十年征程路，方圆一寸间”万品研发计划，立足于中华文化艺术复兴与全球文明互鉴的双重时代背景，把五千年宏大文明叙事浓缩在一寸随身珠饰之上，搭建起完整的顶层战略、“文字图形化”创作方法、七大产品谱系与十年落地路径。

项目以文化为灵魂，以现代美学为手段，打通文玩与珠宝双赛道，对内夯实国民文化自信，对外打造便携的东方美学文化名片，破解了当下国风珠宝仿古内卷、文化表达浅表化、国际化审美壁垒等行业难题。方寸器物承载万象文脉，一万零一品十年深耕，让随身佩饰成为讲述中华文明、参与全球文明对话的微型载体，为新国潮文创产业守正创新提供了可复制的实践范式。

重构艺术传播范式：小红书直播如何让创作自由生长

Fri, 03 Jul 2026 14:10:20 +0800

简述：小红书直播联动候鸟 300，重构艺术展示方式，让创作的生长被全世界看见。

过去，大家谈到创作，更多看见的是作品完成后的样子：一件作品被挂上墙，一场演出落幕，一段影像发布。

现如今，小红书直播正在打破固有局限，把创作全流程推向台前。创作者的练习、打磨、即兴以及构思判断，都能通过直播被更多的人看见。

这正是创作直播的价值。它不只展示作品，也记录作品如何发生；不只让创作者被看见，也让观众在过程中理解创作。

01 小红书直播里，创作正在自然生长

「创作疯长计划」是小红书艺术生态沉淀后的长效布局，而非单次跨界活动。平台各类平民创作内容持续扩容，直播让创作过程与创作者互动关系一同走向大众视野

这种内容氛围并非突然形成，据行业观察，小红书已连续五年举办线上艺术毕业展，让无数青年艺术家的作品走出校园；线上艺术画廊直播周，也印证了艺术可以在线上找到更广阔的表达空间。

因此，「创作疯长计划」不是从零开始制造一个艺术直播概念，而是在小红书在已有的优质内容和社区氛围基础上，进一步把直播变成创作者可以长期表达创作过程的舞台。

02 候鸟300：创作依托直播，随时随地发生

今年，小红书直播与候鸟300合作，将「创作疯长计划」落地阿那亚。

在这次合作里，候鸟300更像是小红书创作直播的一次高光现场。海边、剧场、街角、户外空地，都成为直播间的一部分。创作依托直播，随时随地发生。

课堂里的偷偷画画、方言里的戏剧演绎、路边的即兴走秀、京剧与外国小提琴的协奏、融合傩戏与跨文化音乐的表演，都被直播连接到更多的观看人群里。那些原本只短暂存于现场的创作瞬间，因为直播被保留下来，也被更多人看见。

为了用影像记录现场创作者的才华横溢，小红书直播同时联合面向摄影师与影像创作者的后期专业平台 @像素蛋糕一起定格下这些创作瞬间：

有人与作品并置，呈现创作和身体的关系；也有人在户外现场完成表达，让风、海边、人群和动作都成为创作的一部分。

镜头焦点从作品转向创作者本身，也释放出清晰行业信号：小红书直播扶持的从来不是标准化艺术家，而是每一位拥有独特表达、愿意开播分享创作的普通人。

03 300天创作者扶持企划，让开播变成一件可以持续的事

阿那亚线下直播活动收官之际，小红书直播联动候鸟 300，携手多家高校、美术馆与专业艺术机构，推出「创作疯长计划」300 天艺术家长效扶持企划。

从艺术行业发展维度来看，直播对创作者的价值，早已超越单次流量曝光。更重要的是，在一个懂创作、懂审美、也愿意看过程的社区里，长期找到自己的观众。小红书直播正在以直播为核心载体，为创作者提供持续的流量、曝光和艺术资源联动支持，让更多艺术家、手作人、非遗创作者和普通创作者，把直播变成自己的长期创作表达方式。

本次小红书直播与候鸟300的联动，也集中展现出小红书创作者群体的丰富多样性：传统戏曲、视觉艺术、身体剧场、方言即兴、手工创作等不同赛道创作者同台亮相，直播并未同质化各类艺术表达，反而为多元创作形式提供平等展示空间。

04 创作不设门槛，人人都有机会通过直播发光

创作不只属于展厅、舞台和专业机构，也可以来自普通人的日常、手边的材料、身体的表达和突然出现的灵感。

这些生活化、民间化、即时发生的创作瞬间，共同指向同一个判断：创作不设门槛。

它不要求每个创作者都先进入展厅，也不要求每一次表达都先被机构认证。只要有人愿意打开镜头，展示自己的手艺、过程、灵感和热爱，直播间就可以成为一个舞台。

这也是小红书直播「创作疯长计划」为艺术行业带来的全新启示：直播不只是一个播放渠道，它正在成为创作被看见的新现场。

未来，随着更多艺术家、手作人、表演者、非遗创作者、摄影师和普通创作者加入300天扶持计划，创作不必只等到完成后才被展示。它可以在生长中被观看，在互动中被理解，在直播里被更多人遇见。

小红书正在让每一份正在生长的创作灵感，拥有面向世界展示的机会。

《大象無形》：一场水墨与有形和无形的当代艺术对话

Fri, 26 Jun 2026 11:39:44 +0800

On June 13, FORM WITHOUT FORM《大象無形》 officially opened at HKRI Taikoo Hui in Shanghai, welcoming a large and diverse audience to one of the city’s most prestigious cultural destinations.

6月13日，《大象无形》在上海兴业太古汇正式开幕，迎来了众多不同背景的观众来到这座城市最具声望的文化地标之一参观。

Jointly presented by Triune Harmony, NONAME STUDIO and 768 Gallery, the exhibition brings together the artistic vision of Prof. Joseph Tham alongside a group of international contemporary artists, creating a unique dialogue between Chinese ink traditions and contemporary artistic languages.

本次展览由《天地人和》（Triune Harmony）、NONAME STUDIO 与 768 Gallery 联合呈献，汇集了谭杰志教授（Prof. Joseph Tham）的艺术愿景与一群国际当代艺术家的作品，在传统中国水墨与当代艺术语言之间展开了一场独特的对话。

The opening ceremony began with a ribbon-cutting attended by representatives of the organizing institutions, including the Chairman of Triune Harmony( 《天地人和》), Carlo Maria Rossi (Founder & Director of NONAME STUDIO), Tiffany GT (Founder of 768 Gallery), Vivien Lee, and Prof. Joseph Tham.

开幕式以剪彩仪式拉开帷幕，出席的主办机构代表包括《天地人和》主席（林云峯）、Carlo Maria Rossi（NONAME STUDIO 创始人兼总监）、Tiffany GT（768 Gallery 创始人）、Vivien Lee 力敏慧以及谭杰志教授。

Together they inaugurated an exhibition that explores Laozi’s concept of “大象無形” (The Great Form Has No Shape) through painting, calligraphy, sculpture, installation, technology and contemporary artistic research.

他们共同为这场展览揭幕，展览透过绘画、书法、雕塑、装置、科技与当代艺术研究，探索老子“大象无形”的哲学理念。

One of the exhibition’s highlights is a specially commissioned suspended installation created by Prof. Joseph Tham in collaboration with NONAME STUDIO for the venue’s central atrium. for the venue’s central atrium. Hanging over 15 meters high, the work reinterprets the exhibition title Form Without Form (大象無形) through floating Chinese characters that interact with light and shadow. Inspired by the multiple meanings of the character 象—form, image, appearance, and manifestation—the installation transforms calligraphy into an immersive spatial experience, inviting visitors to reflect on what lies beyond the visible.

展览的一大亮点是谭杰志教授与 NONAME STUDIO 合作，专为场馆中央中庭量身定制的悬挂式装置艺术。这件作品悬挂于15米高空，透过与光影互动的悬浮汉字，重新诠释了展览主题“大象无形”。受到“象”字多重含义（形态、图像、表象与显现）的启发，该装置将书法转化为沉浸式的空间体验，邀请参观者反思可见事物之外的深意。

Following the ceremony, Prof. Joseph Tham guided visitors through the exhibition, sharing the stories, philosophical inspirations and personal experiences behind his works.

仪式结束后，谭杰志教授带领观众参观展览，分享了其作品背后的故事、哲学启迪与个人经历。

At the heart of the exhibition is Joseph Tham’s exploration of spirituality, nature, humanity and the invisible dimensions of life. Through ink paintings, poetry and calligraphy, traditional Chinese artistic practices become a living contemporary language capable of addressing today’s questions about meaning, identity and coexistence.

展览的核心在于谭杰志对灵性、自然、人性以及生命中无形维度的探索。借由水墨画、诗词与书法，中国传统艺术实践化身为一种鲜活的当代语言，能够回应现今关于意义、身份与共存的疑问。

One of the highlights of the exhibition is Celestial Fountain – Iguazu Falls, a monumental ink painting measuring over 3.5 meters in height, inviting viewers into a contemplative encounter with one of the world’s most breathtaking natural landscapes.

展览的另一核心亮点是《天泉——伊瓜苏瀑布》，这是一幅高达3.5米以上的巨幅水墨画，邀请观者在沉思中邂逅世界上最令人惊叹的自然景观之一。

Around this central body of work, the exhibition creates a dialogue with a group of contemporary artists from different cultural backgrounds. Several of the participating artists were presented in Shanghai through the international network of the Arte Laguna Prize, bringing together perspectives from Europe, Oceania and Asia in a shared exploration of transformation, perception, memory and the invisible forces that shape human experience.

围绕着这些核心作品，展览与一群来自不同文化背景的当代艺术家展开了对话。多位参展艺术家是通过拉古纳艺术奖（Arte Laguna Prize）的国际网络引荐至上海，汇聚了来自欧洲、大洋洲与亚洲的多元视角，共同探讨关于转化、感知、记忆以及塑造人类经验的无形力量。

Karma Barnes (New Zealand) presents CO-Lapses, a suspended installation of earth pigments and sands collected from different geographies, reflecting on ecology, transformation and interconnectedness.

Karma Barnes（新西兰）呈现了悬挂装置《CO-Lapses》，该作品采用从不同地理环境中收集的天然矿物颜料与沙子制成，反映了关于生态、转化与相互连结的思考。

Mario Valdés (Spain) explores the relationship between humanity, nature and artificial intelligence through an installation combining wood, glass and AI-generated imagery.

Mario Valdés（西班牙）透过结合木材、玻璃与AI生成图像的装置艺术，探讨了人类、自然与人工智能之间的关系。

Vittorio Mandelli (Italy) presents SEME, a monumental sculpture carved from a single 200-year-old cedar trunk, symbolizing regeneration, memory and the continuous cycle of life.

Vittorio Mandelli（意大利）展出了巨型雕塑《SEME》，该作品由一整块拥有200年历史的雪松树干雕刻而成，象征着重生、记忆与生命的不息循环。

Kuo-Hsiang Kuo (China Taiwan) invites visitors into a meditative experience through Ripple Chair, transforming the movement of water into a sculptural object balancing contemplation and interaction.

郭国相 Kuo-Hsiang Kuo（中国台湾）借由作品《涟漪椅》（Ripple Chair）邀请参观者进入一种冥想体验，将水的流动转化为平衡了沉思与互动的雕塑物件。

Gosia Wojas (Poland) explores the relationship between technology, labor and vulnerability through Soft Syntax, a kinetic sculpture where silicone continuously circulates through a mechanical system.

Gosia Wojas（波兰）透过动态雕塑《Soft Syntax》探索了科技、劳动与脆弱性之间的关系，该作品让硅胶在机械系统中不断循环流动。

Dongli Ma (China) reinterprets classical Chinese landscape painting through illuminated sculptural works, creating a bridge between ancient aesthetics and contemporary perception.

马东利 Dongli Ma（中国）透过发光雕塑作品重新诠释了中国古典山水画，在古代美学与当代感知之间架起了一座桥梁。

Steve Lecru (France) combines graffiti, painting and calligraphy in Revisited Traditional Chinese Painting, creating a dynamic encounter between Chinese artistic heritage and contemporary urban culture.

Steve Lecru（法国）在作品《重访中国传统绘画》中结合了涂鸦、绘画与书法，创造了中国艺术遗产与当代城市文化之间的动态交汇。

During the opening, artists and curators engaged in conversations with visitors, discussing how themes such as spirituality, technology, ecology, memory and human connection can transcend cultural boundaries.

在开幕式期间，艺术家与策展人与参观者进行了交流，探讨灵性、科技、生态、记忆与人类连结等主题如何跨越文化边界。

More than an exhibition, FORM WITHOUT FORM represents a platform for cultural exchange. By bringing together Eastern philosophy and contemporary international artistic practices, the project demonstrates how art can function as a universal language capable of connecting generations, cultures and perspectives.

《大象无形》不仅仅是一场展览，更代表了一个文化交流的平台。透过将东方哲学与当代国际艺术实践相结合，该项目展示了艺术如何作为一种能够连结不同世代、文化与视角的普世语言。

Beyond painting and calligraphy, the exhibition also presents a selection of traditional Chinese seal engravings hand-carved by Prof. Joseph Tham. Reflecting the same philosophical ideas behind Form Without Form (大象無形), these seals connect language, symbolism and craftsmanship, offering visitors another perspective on Chinese artistic traditions. This practice will also be explored through a series of upcoming workshops and public activities accompanying the exhibition.

除了书画之外，展览还呈现了由谭杰志教授亲手雕刻的中国传统金石篆刻精选作品。这些印章反映了与“大象无形”相同的哲学思想，将语言、象征主义与精湛工艺连结起来，为参观者提供了欣赏中国艺术传统的另一视角。这项技艺也将透过展览随附的一系列即将举办的工作坊与公众活动中得到进一步探索。

Located in the heart of Shanghai, the exhibition occupies over 600 square meters of exhibition space at HKRI Taikoo Hui, transforming the venue into an immersive environment where visitors can experience reflection, dialogue and discovery.

展览位于上海市中心，在兴业太古汇占据了超过600平方米的展览空间，将场馆化身为一个让参观者能体验反思、对话与发现的沉浸式环境。

The exhibition continues until July 5, 2026, accompanied by a public programme of guided tours, workshops, calligraphy demonstrations and artists’ roundtable discussions.

展览将持续至2026年7月5日，并配有包含导赏团、工作坊、即席挥毫示范及艺术家跨界圆桌对谈等一系列公众活动。

We warmly invite audiences to visit the exhibition and participate in the upcoming events as we continue exploring the invisible connections between art, humanity, spirituality and contemporary life.

我们诚挚邀请大众参观展览并参与接下来的精彩活动，与我们一同继续探索艺术、人性、灵性与当代生活之间无形的连结。

FORM WITHOUT FORM

《大象無形》

Dates 日期

June 13 – July 5, 2026

2026年6月13日 – 7月5日

Venue 地址

HKRI Taikoo Hui, Shanghai

上海兴业太古汇W103

Presented by 主办方

Triune Harmony

NONAME STUDIO

768 Gallery

About NONAME STUDIO

关于 NONAME STUDIO

NONAME STUDIO is Founded and lead by Carlo Maria Rossi (罗旭), an independent curatorial platform and residency program based in Shanghai. Moving beyond the traditional gallery model, the studio functions as a collective-driven force, where Rossi collaborates closely with a curated roster of artists to push the boundaries of contemporary practice.

It serves as a vital bridge between the Chinese art scene and the international stage, facilitating deep cultural exchange through residencies, exhibitions, and cross-border institutional partnerships. By intertwining artistic research with urban context, the studio supports the generation of new narratives, connecting artists with museums, galleries, and public platforms.

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NONAME STUDIO 是一个立足于上海的独立策展平台与艺术家驻留项目，由 Carlo Maria Rossi（罗旭）创立并领衔。不同于传统的艺术机构，工作室更像是一个充满活力的协作共同体，在罗旭的引领下，与其合作的艺术家共同探索当代艺术的多种可能。

作为连接中国艺术界与国际舞台的重要桥梁，平台通过驻地项目、展览及跨地域机构合作，持续推动深度的文化交流。结合艺术研究与城市语境，NONAME STUDIO 致力于孕育新的叙事，并将艺术家与美术馆、画廊及公共平台紧密联结。

以乐赋能智享生活 “宝工乐学”奏响职工减压提质新篇章

Mon, 15 Jun 2026 18:06:33 +0800

6月13日，由宝安区总工会主办、宝安区工人（职工）服务中心承办的“宝工乐学”公益培训“乐活季·智慧美学”专题课程——《智能编曲与尤克里里演奏》顺利开课。本次课程立足职工多元化成长需求，以“科技赋能+技能拓展+身心调适”为核心，创新打造轻量化、零基础、实用性强的学习课堂，深受职工的欢迎和喜爱。

本次课程精心搭建零基础友好型学习平台，设置智能编曲、尤克里里实操两大核心教学模块，全程3小时沉浸式教学，兼顾前沿科技体验与传统实操练习，精准适配职工学习需求，让大家在轻松愉悦的课堂氛围中解锁音乐新技能、舒缓身心压力。课程特邀专业讲师授课，依托专业的教学经验、新颖的授课模式，为职工带来一场兼具创意、温度与质感的音乐美育课堂。

本次课程两大教学环节相辅相成、兼顾创新与传统。智能编曲环节聚焦数字美育，依托AI音乐工具开展零基础教学，讲师系统讲解旋律生成、一键编曲、音效搭配等实操技巧，无需专业乐理基础，参训职工即可借助智能科技自主创作专属音乐片段，沉浸式感受科技与艺术融合的创新魅力。尤克里里实操环节主打传统器乐体验，从乐器基础结构、持琴定弦规范入手，细致拆解拨弦、扫弦、基础和弦等核心演奏技巧，手把手指导学员练习提升。大家紧跟课程节奏，勤学勤练、互帮互学，快速掌握基础演奏技能，课堂氛围轻松热烈。课程尾声，主办方结合学员课堂表现、学习态度与实操成果，评选出三名优秀学员并赠送精美礼品，鼓励大家持续探索音乐之美、丰富精神生活。

新颖的教学形式、治愈的音乐体验，让参训职工收获满满、好评如潮。大家纷纷表示，本次课程兼具趣味性与实用性，是一场高质量的身心疗愈之旅。平日里职场节奏紧凑、闲暇时间有限，此次公益课程为职工搭建了放松身心、充实自我、交流学习的优质平台，既习得实用才艺，又有效缓解了职场焦虑，获得感与幸福感十足。

宝安区总工会相关负责人表示，本次课程是宝安工会“宝工乐学”AI课程体系公益培训的重要组成部分。下一步，区总工会将持续立足辖区职工岗位成长、能力提升、身心赋能核心需求，精准迭代课程内容、创新培训形式、提升教学质量，通过常态化开展多元化培训，持续帮助职工补短板、拓技能、减压力、提素养，切实以精准赋能助力职工成长成才，以高素质职工队伍建设赋能宝安区高质量发展。

因浙江之美，赴东方之约！“浙江之夜”推介暨“嗨游”2.0上线仪式成功举办

Thu, 28 May 2026 19:01:57 +0800

5月27日晚，在2026 ITB上海国际旅游交易博览会（ITB China）期间，浙江作为本届展会唯一官方入境游主宾省，成功举办“浙江之夜”推介活动暨“嗨游”平台2.0上线仪式。浙江省文化广电和旅游厅党组书记、厅长陈广胜，柏林展览有限公司高级副总裁大卫·鲁茨（David Ruetz）出席活动并致辞，省文化广电和旅游厅党组成员、副厅长陈如福出席。

浙江省文化广电和旅游厅党组书记、厅长陈广胜

陈广胜在致辞中认为，对美的追寻，是人类与生俱来的天性。在很大程度上，旅行就是为美出发、与美相遇、被美滋养的过程。浙江之美，美在山水。浙江有12条漫游长廊，新近又推出一条“雁楠飞仙海天游”廊道，完全可以让大家做几天游山玩水的活神仙。浙江之美，美在人文。浙江是中华文明的重要发源地，有3处人类文化遗产，更是丝、瓷、茶的重要源头和海上丝绸之路的重要起点，还有许多古城、古镇、名村，来浙江将收获无数属于东方的美学记忆。浙江之美，美在创新。从宁波-舟山港到杭州“六小龙”，从义乌国际商贸城到“嗨游（Zhejiang Travel）”平台，浙江始终充满创新与开放的活力。来中国游玩，尤其是到了上海的客人，不妨顺便来一趟浙江，更好感知当下的中国。浙江也将以最优服务迎接全球游客，让更多朋友在浙江看见美丽中国。他指出，杭州主城区几乎与东经120°重合，是真正意义上与北京时间同步的城市，也正处于贯穿四大文明发源地的北纬30°线，浙江更是中国改革开放的一个重要窗口，期待全球游客因浙江之美、赴东方之约，领略中国最如诗如画的江南。

柏林展览有限公司高级副总裁大卫·鲁茨

大卫·鲁茨认为，浙江是中国最具特色的目的地之一，文化底蕴深厚、自然风光优美、城市充满活力、旅游基础设施完善，长期以来深受国际游客青睐。他希望，来自全球的旅行商、媒体和行业伙伴借助“浙江之夜”活动，更深入地了解浙江的旅游资源及市场潜力，在产品开发、客源互送、数字技术等方面展开更广泛的合作，携手拓展未来发展空间。

活动现场，正式发布浙江省入境旅游智慧服务平台“嗨游”2.0，该平台基于人工智能大模型和管理创新，打造全场景智慧服务、全链路消费生态和全域化推广福利，实现通关、入住、支付、上网、出行等“一码通行”。同时，重磅推介浙江入境专属消费券，每位入境游客最多可领取3次、最高累计可达450元，在旅行中享受实实在在的优惠与便利。活动现场上线“长三角入境嗨游卡”，并启动“游在中国”平台与“嗨游”平台合作，让畅游浙江变得更加随心无界。

浙江省入境旅游智慧服务平台“嗨游”2.0发布

在推介环节，青瓷瓯乐《寻宋》富有视听冲击力，宁波民间小调阿卡贝拉《马灯调》用极具特色的宁波方言展现江南风情，群舞《风从海上来》舞出丝路之美，通过融合东方美学与创新元素来呈现江南韵味‌，赢得现场嘉宾阵阵掌声。现场设置互动体验区，宁波鱼拓、绍兴黄酒、嘉兴粽子等非遗文旅产品吸引中外嘉宾纷纷驻足体验，亲身感受浙江非遗的深厚底蕴与独特魅力。

在商务洽谈环节，来自全球29个国家和地区的110余位境外旅行商、20家浙江旅行社代表及境内外媒体代表齐聚一堂，中外旅行商通过面对面交流，实现浙江文旅产品与境外渠道深度对接，为实质性合作签约奠定良好基础。

ITB China是中国最具影响力的国际旅游交易平台之一。浙江省文化广电和旅游厅组织省内70余家旅行社、景点、酒店及媒体参展，“诗画浙江”展区围绕江南园林意境与现代数字科技，设置杭州都市圈、缤纷金丽温衢、仙鲜浙东南三大板块，融合非遗展品、文创周边、互动体验等内容，让浙江展位成为全球旅行商了解浙江、对接合作的热门窗口。展会结束后，近70家国际旅行商将分批赴浙江多地开展踩线交流。

进入饼干人3D世界，我被这治愈感狠狠拿捏了

Thu, 28 May 2026 16:31:02 +0800

你有没有过那种瞬间——明明只是打开了一款游戏，却感觉自己被轻轻地“接住了”？

不是那种肾上腺素飙升的刺激，也不是肝到凌晨三点的疲惫，而是一种很安静、狠柔软的治愈感。好像有人在你耳边说：别急，慢慢来，这里的一切都愿意等你。

说实话，我一开始也没想到，《饼干人联盟》会是这样的一个地方。

这个叫松饼塔的地方，高得好像能戳破云层。但它不是那种冷冰冰的塔——外层的欢乐果冻森林郁郁葱葱，阳光从叶子缝隙里漏下，落在圆圆的饼干小人身上，地上的奶油苔藓软乎乎，攀上糖浆藤蔓跳到更高的平台，每个转角都有意想不到的小惊喜，原来游戏里的光影，可以这么温柔。

你能想象吗？甜品的世界有多奇妙。

到了繁华城镇像是走进了甜点主题乐园，建筑是翻糖捏出来的，街道上散落着可以互动的NPC，每个人都有自己的小故事。高层的迷宫多了一丝神秘感，迷宫深处藏着更丰厚的奖励，等着你去慢慢探索。关键是——这一切都是3D的，而且是那种带着童话滤镜的3D。

如果你以为这只是个看风景的游戏，那就太小看它了。

你会遇到一群性格迥异的姜饼人们，樱桃饼干长着一张甜妹脸，却热衷于到处扔炸弹（而且那个炸弹爆炸后居然是甜甜的香气）；麻花卷饼干最宝贝爷爷留下的星星煤炭火车，火车哪儿磕了碰了，他立刻头顶竹蜻蜓飞过去修……

还有各式各样的机关陷阱等着你来挑战，圆刺、高低滚筒、躲避技能球等等，童话3D风格下剥离了陷阱的可怕，圆圆滚滚的陷阱反而让人忍不住想伸手戳一戳，这些陷阱虽然看起来软萌无害，该有的挑战性一点儿没少——但它们“吓人”的方式变了。不再是那种冷冰冰的、让人手心冒汗的压迫感，而是一种“哎呀差一点就被奶油蹭到了”的俏皮紧张。即便不小心踩中机关，看着自家饼干小人被弹飞出去，那圆滚滚的落地姿势也让人忍不住笑出声来，完全不觉得懊恼。

《饼干人联盟》最聪明的地方在于，它没逼你非得社交，但也没让你一个人孤独地玩。你可以一个人在游戏里慢慢探索，也可以拉上好友组队，共斗副本里变成联机——一起挑战Boss，躲避动态障碍。

说实话，这几年玩过不少手游，有的让你肝，有的让你氪，有的让你迅速上头之后迅速下头，但《饼干人联盟》不一样，它更像是一个“你随时可以回来待一会儿的地方”。

累了就挂机看看风景，看光影在夜间跳舞，烦了就去副本里大杀特杀释放压力；想热闹了就拉上朋友一起打Boss……在这个连呼吸都要计算效率的时代，能有一个“饼干做的世界”愿意慢下来等你，本身就是一种很奢侈的治愈。

如果你最近也觉得生活有点硬邦邦的，不妨来当一块柔软的小饼干吧。

麦卡伦倾情呈现浪漫典藏系列威士忌 ——纪念麦卡伦珍稀年份1926一百周年

Thu, 28 May 2026 14:38:56 +0800

享誉全球的单一麦芽苏格兰威士忌品牌麦卡伦隆重发布Romantica Collection浪漫典藏系列，以三款全新年份威士忌及配套艺术作品，礼赞麦卡伦珍稀年份1926一百周年。该系列全球限量发售258瓶，其中每个艺术家版本仅86瓶。

麦卡伦隆重发布 Romantica Collection 浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌，纪念麦卡伦珍稀年份1926一百周年

一个世纪前，麦卡伦品牌先驱与庄园女主人珍妮特·哈宾森（Janet “Nettie” Harbinson）将宝贵的新酒缓缓注入橡木桶，开启其漫长的陈年旅程，静待岁月的馈赠。六十年后，当酒液臻于成熟之境，她的侄孙艾伦·西亚克（Allan Shiach）将其悉心装瓶，最终仅装瓶40瓶，造就了如今弥足珍贵的麦卡伦珍稀年份1926系列。此臻品以其深邃的风味层次与极高的收藏价值闻名于世，屡次刷新威士忌拍卖纪录。

1986年，当这批传奇酒液装瓶问世之际，另一段故事在麦卡伦庄园悄然开启——编号9925的单一欧洲雪莉橡木桶被悉心注入新酒，静候岁月沉淀。2026年，这桶酒液作为珍稀年份1926系列的正统序章，以浪漫典藏系列之名瞩目发布。更为难得的是，曾经为麦卡伦珍稀年份1926创作艺术作品的三位国际知名艺术大师也再度聚首——彼得·布莱克爵士（Sir Peter Blake）、瓦莱里奥·阿达米（Valerio Adami）以及迈克尔·狄龙（Michael Dillon），为浪漫典藏系列创作全新专属作品。艺术家们围绕酒液在9925号橡木桶中自1986年至2026年的陈年历程展开构思，以独到视角围绕“麦卡伦家园（Community）”， “时空旅行（Time Travel）”与“自然（Nature）”三大主题创作：

知名波普艺术大师布莱克爵士创作拼贴作品《音乐厅》（The Music Room），将观者带回1986年的麦卡伦精神家园（Easter Elchies House），而这座家园亦是每一瓶麦卡伦威士忌上的标志性设计元素。该艺术作品重现了宾客们齐聚一堂，共同庆祝精神家园内的麦卡伦音乐空间（Octagon Room）启幕的盛况，定格了欢聚与喜悦的场景。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

意大利知名画家阿达米以其独特的叙事性具象风格闻名于世，他此次为麦卡伦创作的艺术作品《浪漫》（Romantica，1986）以鲜明大胆的构图，描绘了品牌先驱珍妮特·哈宾森的优雅身影。画面中，她身着醒目的红色长裙，置身于苏格兰迷人的自然风光之中。通过对麦卡伦珍稀年份1926瓶身的作品进行重新诠释，构建出一座连接过去与未来的桥梁。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

壁画艺术家兼装饰画家狄龙创作出富有感染力的风景作品《麦卡伦庄园》（The Macallan Estate）。作品从大自然汲取灵感，生动捕捉斯佩塞（Speyside）地区的自然之美，同时细腻勾勒出庄园内麦卡伦现代酒厂的建筑轮廓。描绘麦卡伦酒厂波浪起伏的绿茵屋顶与周围环境融为一体的共生之美。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

“Romantica”代表一种融合想象、情感与内省的艺术风格，常用于礼赞自然与自由精神。以此命名全新系列，正因这一意境贯穿于整个创作脉络之中，诠释了麦卡伦的精神内核。

麦卡伦全球创意总监贾玛·费雷斯（Jaume Ferras）表示：“浪漫典藏系列象征时间、创意与匠艺的巧妙交汇。该系列通过三位艺术家的当地视角，重新诠释麦卡伦珍稀年份1926系列的不朽传奇与经典魅力，并通过艺术作品，为浪漫典藏系列注入新的意涵。这不仅是对经典威士忌的致敬，更是对艺术表达价值的深情称颂。”

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

麦卡伦首席威士忌制酒大师柯斯汀·坎贝尔（Kirsteen Campbell）谈到：“自1986年入桶那一刻起，这款威士忌便成为一段传奇的延续——这个故事始于麦卡伦珍稀年份1926系列，并传承至今。历经数十载岁月沉淀，酒液悄然蜕变，愈发优雅，绽放出果香、辛香与醇厚橡木交织的迷人风味。如今，看到这款威士忌与布莱克爵士、阿达米、狄龙三位艺术家的全新作品共同呈现，我深受触动。他们的诠释恰如这款威士忌本身的旅程：历经复杂工序、凝聚匠心巧思、由时光雕琢成就。能够推出这样与品牌历史紧密相连的威士忌，我深感荣幸。”

浪漫典藏系列充分展现出麦卡伦在雪莉桶工艺方面的深厚造诣，以及对精湛制酒技艺始终如一的执着，其在单一欧洲雪莉橡木桶中静静陈年数十载，深刻诠释了品牌对耐心的坚守、对原产地的尊重，以及对品质的不懈追求。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

浪漫典藏系列威士忌均以48.6% VOL的酒精度装瓶，初启瞬间便呈现出明亮而鲜活的风味特点。轻嗅间，杏子蜜饯、糖水桃子与甘苦交织的太妃糖风味层层铺陈，其间夹杂着姜、温润肉桂与古橡木的气息，并隐约浮现一缕木质烟熏风味。入口后，丝滑的甜润感充盈味蕾，红糖、糖渍桃子与热带荔枝风味交融，随后呈现出黑樱桃和糖浆香气，并伴有一丝微妙的泥煤气息。尾韵悠长，令人回味无穷，水果干风味萦绕于唇齿间，交织着皮革与浓郁的可可气息，层次丰富而优雅绵长。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

三个艺术家版本的包装均承袭当年经典艺术作品的匠心底蕴，对每一处细节精雕细琢。每瓶威士忌均置于量身定制的木制包装盒中，分别饰有相应艺术家的作品；包装盒所选用的欧洲橡木从原料甄选、工艺加工至最终成型，均由麦卡伦全程严格把控，进一步彰显品牌“从橡木果到杯中酒”的全链路管理。

麦卡伦浪漫典藏系列单一麦芽苏格兰威士忌

盒内除了威士忌外，还附有由麦卡伦首席威士忌制酒大师柯斯汀·坎贝尔亲笔签名的编号证书、一本典藏手册，以及各艺术家版本独有的限定版艺术作品。

品鉴笔记

橡木桶：

编号9925 – 单一欧洲雪莉橡木桶

闻香：

香气明快鲜活，杏子蜜饯与糖水桃子的甜美果香，交织着苦甜参半的太妃糖气息。随着姜、温润肉桂与古橡木的香气渐次浮现，整体层次丰富，并伴有与之完美融合的馥郁木质烟熏味。

口感：

入口丝滑甜润，红糖、糖渍桃子与热带荔枝的风味随之铺陈。继而，黑樱桃、糖浆以及一丝微妙的泥煤风味悄然呈现，共同构筑出丰富层次。

尾韵：

水果干的甜美，并伴有皮革与浓郁的可可气息。余韵悠长持久，令人回味无穷。

色泽：

天然色泽

酒精度：

48.6% VOL

威士忌制酒大师：

柯斯汀·坎贝尔（Kirsteen Campbell）

艺术家简介：

彼得·布莱克爵士（Sir Peter Blake）

出生于1932年的英国波普艺术家。他参与创作了披头士乐队1967年专辑《佩珀军士的孤独之心俱乐部乐队》（Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band）的封套设计。这位艺术家的其他作品还包括谁人乐队（The Who）两张专辑的封面、Band Aid单曲《他们知道现在是圣诞节吗》（“Do They Know It's Christmas?”）的封面，以及Live Aid慈善音乐会的海报。布莱克爵士还设计了2012年全英音乐奖（Brit Award）的奖杯。

布莱克爵士是波普艺术运动中的重要人物。他的绘画作品以流行文化意象为核心，这些元素也融入了他的拼贴画中。2002年，他因在艺术领域的杰出贡献，在英国白金汉宫（Buckingham Palace）被授予爵士头衔。

瓦莱里奥·阿达米（Valerio Adami）

意大利知名画家，以其独特的叙事性具象风格（Narrative Figuration）闻名于世。他的画作通常以粗重的黑色轮廓线界定形态，内部填充明亮、未经调和的平涂色块。作为当代艺术界的重要人物，阿达米巧妙融合具象与抽象，借由作品探索复杂的主题。阿达米笔下的人物与物体虽然清晰可辨，却往往被简化为符号，呈现出一种支离破碎的视觉效果，从而构建出一种引人深思的叙事结构。他的作品回顾展已在全球多个主要城市举办，包括巴黎、瓦伦西亚、特拉维夫和布宜诺斯艾利斯。

迈克尔·狄龙（Michael Dillon）

享誉全球的壁画艺术家与装饰画家，擅长创作奇幻风格壁画、错视画（Trompe l'oeil）、装饰设计方案以及家具彩绘。狄龙常驻英格兰多塞特郡（Dorset）与爱尔兰，但他承接的艺术创作项目遍及欧洲、北美、西印度群岛及非洲等地区。他的作品多见于私人宅邸，但也曾为英国国民信托（National Trust）及多家乡村别墅酒店进行创作；其客户名单中更不乏福南梅森（Fortnum & Mason）和哈罗德（Harrods）等知名品牌。

关于麦卡伦

麦卡伦以其非凡的单一麦芽威士忌而闻名于世。1824年，麦卡伦的创始人亚历山大·里德（Alexander Reid）在苏格兰斯佩塞，运用精湛的技艺与创新精神，采用超小型壶式蒸馏器，精心提炼出了首批威士忌酒液。这一创举标志着麦卡伦单一麦芽苏格兰威士忌两个世纪传奇历程的起点。

麦卡伦对品质和工艺的追求从未止步并已成为品牌标志印记。麦卡伦拥有出众的橡木桶，结合雪莉酒润桶工艺造就了威士忌的卓越品质和显著风味，精湛的制酒工艺孕育出酒液的天然色泽。麦卡伦酒厂坐落于麦卡伦占地485英亩的美丽庄园内，由国际知名建筑师设计，其设计灵感来源于周围古老的苏格兰群山。

不凡之道，从不妥协。麦卡伦提醒您理性饮酒。

中国艺术在线

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